41. Lápices Acuarelables

……… y un cuaderno de campo para vacaciones?

Ya casi tocamos las vacaciones en la Escuela.

Os envío una propuesta, creo, muy útil de cara a disfrutar dibujando y pintando en los ratos libres. Se trata de las pinturas de lápiz acuarelable que ya conocéis. Su uso permite mucha libertad y resultados muy expresivos.

En este enlace puedes ver cómo se usan

Puedes tomar como referencia para practicar cualquier modelo. Me parece que los paisajes son lo más apropiado.

Pero además te puedes basar en obras de maestros de la pintura como el post-impresionista Toulose-Lautrec del que se habla en el tutorial.

 o Degas.                              

Los dos maestros  comparten el uso de interiores con luz artificial y enfoques atípicos además de figuras con actitudes y expresiones peculiares muy propias para los trazos expresionistas de la pintura realizada con lápices. 

He presentado estas obras como ejemplo pero pueden ser las que tú escojas. Hay muchísimas muy apropiadas.

Pero además se me ocurre que puedes complementar su uso con pinceles recargables de esos que tienen un pequeño depósito para el agua.

40. El fotomontaje (2ª parte)

El arte del fotomontaje empezó en Europa justo después de la Primera Guerra Mundial. El término fotomontaje se inventó en el grupo Dadá de Berlín, en Alemania.

Entre 1916 y 1918: John Heartfield, George Grosz, Hannah Höch, Raoul Hausmann y Johannes Baader se sumergen en la aventura de producir nuevas imágenes a partir de esta técnica.

 Estos artistas pretendían expresarse de otra forma diferente a las formas tradicionales (pintura) y que también se alejara del collage, a la vez  que tuviera más significado que la abstracción.

Collage y fotomontaje tienen el mismo principio: son sumatorio de varias imágenes diferentes en un mismo…lienzo bidimensional. Pero el collage lo hace a partir de dibujos, grabados, ilustraciones añadiendo objetos reales mientras que el fotomontaje manipula la realidad creando una imagen fotográfica nueva. Aisladamente los collages cubistas usaron fotografías recortadas, pero son los dadaístas los que van a recurrir a la fotografía para sus composiciones de fotomontajes.

En la URSS destacarán Alexander Rodchenko y El Lissitzky entre otros.

Tras la primera guerra mundial el uso de fotomontaje trasciende a la publicidad y…¡como no! A la propaganda política. Carteles, revistas…adoptan los nuevos medios de expresión.

En un mundo, y sobre todo en una Europa que se encaminaba sin saberlo al desastre conminar al pueblo, a los votantes de una u otra tendencia se hizo apremiante.

La guerra civil española ya expuso a las claras el poder del fotomontaje.

Continuará……

39. El fotomontaje (1ª parte)

El fotógrafo inglés Henry Peach Robinson  (1830–1901) está considerado como el primer fotógrafo que utilizó la técnica del fotomontaje, poco después de haber comenzado su carrera, en 1857 Quizá su obra más conocida sea “el último suspiro”.

En ella una joven agoniza mientras la atribulada familia (padre, madre y hermana) la acompañan en estos últimos momentos.

Para realizar la obra final, Peach Robinson ejecutó una serie de negativos que luego unió.

También lo utilizó Gustave Le Gray en su célebre obra “la ola”.

Las dificultades técnicas de la época , hacían que una exposición general oscureciera el mar, o dejase excesivamente claro el cielo. Es por ello que el artista hizo dos exposiciones diferentes sobre el mismo papel. Una para la parte superior (cielo y nubes) y otra para  la mitad inferior ( mar y rocas). La conjunción de las mismas, y la gran maestría del autor, hicieron el resto.

Oscar Gustavo Rejlander fue otro de los maestros de la técnica. Su obra “los dos caminos de la vida” es quizá la más conocida. Para realizarla utilizó 32 negativos diferentes ensamblados convenientemente.

En estos albores de la historia de la fotografía, se usó la técnica del fotomontaje para entre otras cosas contactar con el “más allá”, con los espíritus.  Ni que decir tiene que visto desde la perspectiva actual…nos producen estas imágenes más que una sonrisa.

Y sin embargo no veáis como se creía en ello. Hoy sucede algo parecido…

Los usos del fotomontaje hicieron “cabalgar” a Ulisses S.Grant

…o estilizarse a Abraham Lincoln para ganar las elecciones.

Si queréis saber más pincha este interesante enlace

continuará…………

38. Dibujo rostro -lechuga- (3ª parte)

Casi todo lo visto, en especial lo que se refiere a las medidas, es bueno saberlo de la misma manera que conviene tener conocimientos de perspectiva cónica para dibujar un paisaje.

Pero lo más habitual no es dibujar una cara ni de frente ni de perfil.

Para representar-interpretar un rostro en cualquier vista hay que enfrentarse con el mismo talante que el que podemos tener frente al dibujo de una lechuga (ángulos, líneas auxiliares, relación de formas-piezas, huecos, contraste, luz y sombra)

Hemos ido y hemos vuelto. Todo es lo mismo.

      

 

       

 

LIBRO fundamental

“APRENDER A DIBUJAR CON EL LADO DERECHO DEL CEREBRO”

Betty Edwards

 

37. Recreando cuadros famosos

El museo Getty nos anima a recrear cuadros famosos siendo creativos y con lo que quiera que tengamos en casa.

No necesitamos más que el teléfono móvil, buscar tu obra de arte favorita y echarle imaginación, con lo que tengamos en casa.

 A continuación, os dejamos un enlace con algunos resultados, por cierto, muy muy originales:

Enlaces (pincha aquí)

36. Yayoi Kusama desde casa

¡Hola creadores!

¿os acordáis de la instalación que creamos en la fachada el 8 de Marzo inspirándonos en la obra de Yayoi Kusama?

Pues una de sus obras cumbres puede verse por YouTube.

Su «Infinity Mirrored Room – The Souls of Millions of Light Years Away»

es sin duda una de sus obras cumbres y un gran referente del arte contemporáneo. La instalación consiste en una habitación llena de luces LED y espejos que brindan a los visitantes la sensación de estar en un espacio infinito. La misma fue originalmente inaugurada en 2013 y desde entonces ha pasado por salas de museos de diferentes países.

Actualmente, esta obra se encuentra en el museo “The Broad” de Los Ángeles, recinto cerrado debido a la cuarentena por la pandemia del coronavirus (COVID-19). Es por ello que las autoridades de esa institución cultural decidieron proponer una experiencia virtual de Yayoi Kusama por medio de videos de la alucinante sala. El proyecto digital que planea llevar el arte de Kusama a los hogares se titula «Infinite Drone».

Infinite Drone (pincha aquí)

Infinity Mirrored Room – The Souls of Millions of Light Years Away

Otras habitaciones de Yayoi kusama

 

35. Juan Genovés

El pintor valenciano Juan Genovés ha fallecido durante la madrugada del viernes 15 de mayo de muerte natural en un hospital madrileño a sus 89 años.

El artista fue durante la transición española, el autor de «El abrazo» de 1976 pintura perteneciente a la colección del Museo Reina Sofía en Madrid. Más tarde se convertiría en la escultura «El abrazo» como homenaje a los abogados muertos en Atocha.

Genovés desarrolló una pintura de carácter expresionista y provocadora. En la década de los 70, comenzó a plantear dos temas: el «individuo solo», resuelto inicialmente como un «collage» en relieve, y la «multitud», trabajando con tintas planas y estructuras plásticas.

En los años 80 inició un nuevo periodo muy ligado al paisaje urbano, que se ha denominado «Espacios de la soledad». Los últimos años su obra ha dado un giro hacia la investigación del movimiento estático en la pintura, la multitud se ha convertido en la referencia para hablar del problema de la pintura y el ritmo visual.

Adjunto la entrevista de su última exposición.

Juan Genovés (pincha aquí)

 

34. Figura en el espacio

Uno de los principales retos de la representación más o menos realista, es mantener la coherencia entre los elementos de fondo y figura, crear una coherencia espacial.

En este ejercicio plantearemos primero un “decorado”, pared, asiento…en perspectiva donde situaremos una figura desnuda.

Para dibujar ésta, os propongo contemplar únicamente los volúmenes, “olvidándonos” del esqueleto y que nuestro desnudo sea generoso de carnes (durante una temporada utilicé este truco para disimular carencias de dibujo anatómico).

33. Ejercicio de fotografía

Cuando nació la fotografía, oficialmente allá por el año 1839, se caracterizaba por su capacidad de reproducir la realidad de manera objetiva, o por lo menos eso pretendían. Con el paso del tiempo hemos ido observando que eso poco o nada tiene de cierto y como muestra un botón. Os proponemos el siguiente ejercicio:

Elegid un objeto cotidiano y que tenga un tamaño no demasiado pequeño para poder fotografiarlo y que ocupe todo el encuadre y realizad las siguientes fotografías.

  1. Fotografía objetiva, descriptiva, como si fuera un bodegón para un catálogo y con fondo neutro.
  2. Fotografía del objeto en su contexto.
  3. Fotografía descontextualizada/irónica/sugerente (El trabajo del fotógrafo Chema Madoz podría ser un buen referente).
  4. Fotografía abstracta del mismo objeto.

Para realizar el ejercicio se pueden usar todos los recursos que consideréis necesarios: movimiento, profundidad de campo, iluminación, desenfoque, etc.

Una vez realizado el ejercicio os proponemos reflexionar acerca de cuál de las cuatro fotografías os gusta más y por qué.

**Las fotografías son de la primer época de Chema Madoz e ilustran muy bien la idea de fotografía descontextualizada/irónica/sugerente.

32. Jon Foreman (el arte de la tierra hipnótica)

La mayoría de las veces el arte ha representado la naturaleza en sus lienzos (bodegones, retratos, paisajes… ) Pero a veces el arte pasa a formar parte de la naturaleza misma, el “lienzo” es la propia naturaleza e interactúa con ella de forma reflexiva. Jon Foreman organiza sus espirales de conchas marinas o de piedras sabiendo que la marea los arrastrará todo o que los transeúntes los pisarán. Es el efímero “land art” del artista, hipnótico y fascinante en su precisión, dispuesto en círculos perfectamente concéntricos y composiciones exigentes peinadas en la arena. Sus piezas a gran escala transforman playas y extensiones de bosques en obras de arte que se convierten en puntos de atención inusuales para el espectador.
Con base en Gales, el artista comenzó a crear su trabajo basado en la naturaleza mientras estaba en la universidad. Desde entonces, su arte terrestre ha variado desde esculturas de piedra mínimas hasta mandalas de arena, y cada proyecto tiene su propio motivo fascinante. «Los procesos repetidos siempre son muy terapéuticos y este es un buen ejemplo de eso, perderse en el proceso es una parte importante del land art», escribió Foreman recientemente en Instagram.

Foreman vive en Pembrokeshire, Gales, donde nunca está lejos de la costa. “Las playas aquí son verdaderamente excepcionales”, explica, “y hay tantas que dudo que haya visitado ni siquiera la mitad de ellas”. Cuando llega a la playa, su plan es pasar cuatro horas (de promedio) construyendo la obra de arte. A menudo, solo tiene una idea parcial de cómo se verá la pieza terminada. “A veces tengo una idea de lo que me gustaría hacer, pero muy raramente lo planeo por completo. Me gusta no saber exactamente cuál será el resultado hasta que esté delante de mí.” Mientras que la idea de trabajar sin un plan podría intimidar a muchos, Foreman encuentra refugio en lo desconocido. Al no tener nociones preconcebidas de lo que creará, es más probable que experimente y desarrolle nuevas facetas de su trabajo.

Al hacer arreglos con piedras, Foreman ha descubierto algunas cualidades inesperadas. Ha notado que la roca, a pesar de su solidez, cambia cuando se agrupa; se vuelve “maleable”, revela Foreman. “Hay tantas maneras de trabajar con la piedra: el color, el tamaño, la forma, el ángulo en el que se coloca, la dirección en la que se orienta; las posibilidades son infinitas. Aunque la piedra no es el único material que utilizo, actualmente es mi favorito, ya que se presta a tantas oportunidades diferentes”.

El land art es efímero por naturaleza, y eventualmente será reclamado por la tierra de la que procede. “A menudo se convierte en una carrera a medida que las olas se acercan”, dice Foreman. “Intento quedarme para ver la obra borrarse y capturar el momento del impacto”. Podría ser un momento triste, pero Foreman elige ver la corta vida de su trabajo como algo bello.

The Land Artist (pincha aquí)